Audace, utopico, immersivo e sperimentale: il Padiglione della Francia alla Biennale di Architettura 2023

Architettura teatrale audace "pensata per risvegliare i nostri desideri di utopia"

Un padiglione nel padiglione, uno spazio immersivo e sperimentale, Ball Theatre è un teatro emisferico, un luogo pensato per fare interagire molteplici pratiche, occupato e abitato per una settimana al mese da ricercatori, studenti, artisti e pensatori, che trasformano il Padiglione della Francia in un'arena animata, tra performance celebrative e sperimentali che si alternano a momenti di discussione e dibattito.

Il teatro da sempre è inteso come un laboratorio di identità, di luoghi e di immaginari. C'è chi lo identifica come "un dispositivo che permette alle persone di proiettarsi altrove e nel futuro". Quale altra forma spaziale, se non questa, per rispondere al tema generale della Biennale Architettura 2023 – “Laboratorio del futuro” – impostato da Lesley Lokko, curatrice di questa edizione.

Secondo Lesley Lokko, oggi non è più compito dell'architettura rappresentare o essere rappresentata come immagine: "l'architettura deve essere reale, tangibile e concreta, per diventare il luogo in cui si sperimenta la vita, la società e il futuro!"

Se Lesley Lokko vede nel laboratorio uno spazio di lavoro, un luogo di collaborazione e cooperazione, questa sua idea il team curatoriale del Padiglione della Francia la trasferisce nell'esperienza spaziale, estetica e acustica che da sempre offre e caratterizza lo spazio teatrale. L'architettura, così come il teatro, è una disciplina e un linguaggio particolarmente favorevole ad approcci sperimentali e collaborativi.

Natura utopica e polisemica dell'installazione

Attraverso la sua forma a globo, il teatro richiama alle architetture utopiche della rivoluzione o dei costruttivisti russi.

"La forma del teatro è un invito a guardare ancora avanti, oltre le crisi. In un momento di emergenza, austerità e ansia climatica, questo teatro lancia un messaggio: risvegliamo l'utopia dentro di noi! Concediamoci momenti di scoperta ed euforia. La forma del teatro può essere interpretata sia come un globo terrestre che come una palla a specchio, icona kitsch di un'epoca in cui la festa era ancora possibile" ha dichiarato il team curatoriale.

"Lo scopo di questa dimensione scenografica è – come in un vero teatro – quello di accogliere un palcoscenico, attori e pubblico. L'immagine che proietta è tuttavia ambivalente, giustapponendo oggetti contraddittori come la capsula futuristica e la capanna primitiva. I dettagli sono meticolosi mentre gli assemblaggi, i puntelli e i cavi rimangono a vista. L'oggetto è allo stesso tempo sgangherato e sofisticato. Evoca associazioni con l'Arca di Noè, una specie di imbarcazione improvvisata che è atterrata qui. Gli esseri che l'hanno costruito, a quanto pare, volevano fuggire da un mondo che non aveva più un posto per loro. Scelsero una struttura fragile e provvisoria che attrezzarono, come una camera dell'eco, con rudimentali dispositivi per captare ed emettere suoni e ideare possibili nuovi rituali: microfoni, altoparlanti, proiettori..."

Il nome Ball Theater gioca sul duplice significato della parola ball, da un lato un oggetto sferico come un mappamondo, e dall'altro un evento in cui si balla. Per tutta la durata della Biennale, infatti, Ball Theatre sarà un luogo di festa e di sperimentazione collettiva nei diversi “balli” che il teatro ospiterà fino a novembre 2023.

I BALLI DI BALL THEATRE
Sono ispirati alla storia della Ball Culture, un movimento cresciuto ad Harlem a New York City negli anni '20 e '30, dove i balli erano spazi utopici di resistenza, danza e celebrazione per afroamericani e latini Comunità LGBT, una risposta al razzismo e all'omofobia. Negli anni '60 e '70 le sale da ballo divennero luoghi di incontro tra gay e lesbiche e dove i partecipanti, organizzati in case, sfilavano in eventi che assomigliavano a gare, al suono di una musica sintetica a scatti. Erano luoghi di emancipazione, dove le persone erano libere di esprimere la propria identità.
Questo tipo di cultura partitica si sviluppa storicamente nei momenti in cui crollano le grandi utopie politiche, quasi a compensare la fine di questo desiderio di altrove.

Un esperimento intrigante

L'installazione vuole porre i visitatori al centro di un palcoscenico, per questo motivo non si identifica con il tipico teatro dell'illusione caratterizzato dal faccia a faccia tra attori e pubblico.

L'architettura scenografica di Ball Theatre si colloca a metà strada tra struttura e ambientazione.

Entrando nel padiglione, la prima cosa che vediamo è l'esterno della semisfera, rivestita da uno strato di alluminio argentato. L'oggetto sembra immenso, fuori scala rispetto lo spazio in cui è custodito. 

Nelle stanze adiacenti, invece, sono stati collocati una serie di oggetti che esprimono una "strana parentela con la semisfera",  tra questi oggetti metallici recuperati che potrebbero essere utilizzati per attrezzare il teatro - una trottola, un tamburo per cavi, uno specchio, uno sgabello, ecc. 

"Gli oggetti recuperati e riciclati - fanno sapere dal Padiglione - riflettono i nostri sentimenti contrastanti di speranza e nostalgia, il nostro desiderio di ricostruire un futuro con ciò che resta del passato. Una connessione non visiva ma percettibile unisce la semisfera e tutti gli oggetti, una connessione che scopri mentre ti muovi. Consiste in percorsi acustici direzionali, suoni che rimbalzano da una stanza all'altra, creando un'esperienza spaziale del suono. lo spazio sonoro si evolve nel tempo plasmato da un sistema di intelligenza artificiale e da una disposizione originale di 36 altoparlanti, che crea un ambiente di ascolto lento."

In Ball Theatre, il suono è protagonista, infatti, "In un mondo saturo di segni visivi e immagini, questo paesaggio sonoro ideato dal team del suono del teatro, il compositore di musica elettronica Pilooski (Cédric Marszewski) e gli ingegneri del suono Alain Français e Thomas Fourny, suggerisce che l'utopia è possibile solo se si può abbandonare brevemente della cultura dominante, se si riesce a de-familiarizzarsi con il linguaggio e l'espressione convenzionale."

Ecologia di un teatro itinerante

Per questa 18. Mostra Internazionale di Architettura della Biennale di Venezia, l'Institut français, organizzatore del padiglione francese, si è avvalso di uno strumento di misurazione delle emissioni di CO₂ per ridurre l'impatto dei suoi progetti. Dallo studio è emerso che la produzione di materiali e il viaggio sono le due principali fonti di emissioni.

Il progetto Ball Theatre affronta la sfida verso la decarbonizzazione attraverso 3 strategie.

La prima è il progetto di un oggetto che sia riutilizzabile e possa viaggiare.
Per realizzare Ball Theatre è stata utilizzata una modalità di costruzione modulare a bassa tecnologia, che richiede un minimo di materiali. La struttura si scompone in piccole parti facilmente montabili e smontabili. Questo design significa che il teatro può viaggiare e allestire in altri luoghi per ospitare eventi futuri.

La seconda strategia è quella di promuovere la produzione locale.
L'intera installazione è prodotta da artigiani della regione di Venezia per ridurre il chilometraggio del materiale. La semisfera è costituita da sottili lastre d'acciaio: 21 meridiani e 13 paralleli, che si scompongono in 300 segmenti imbullonati. La struttura è rinforzata da puntelli fissati meccanicamente all'esterno di alcuni dei meridiani per mantenere la struttura leggera. La semisfera si trova su un giradischi circolare, con una base di assi di compensato verniciate in argento. Un cavalletto tecnico fissato all'ultimo parallelo serve per appendere faretti, altoparlanti e una tenda scorrevole. I cavi di alimentazione sono visibili, sospesi dall'ultima trave in un condotto flessibile che dà l'impressione che il teatro sia ancora sotto costruzione. La superficie esterna della sfera, scandita dalla griglia strutturale, è ricoperta da sottili fogli di alluminio.

La terza strategia è il riutilizzo.
Tutti gli oggetti del teatro e delle tre sale attigue sono bric-à brac trovati in Italia e restaurati in situ, affinché vivano una seconda vita per tutta la durata della 18. Mostra Internazionale di Architettura della Biennale di Venezia. Andare in tournée con il teatro darà loro la possibilità di una terza vita.

Cosa sappiamo sui curatori del Padiglione francese

Per la 18° edizione di questa Biennale, e per la prima volta, l'Institut français ha deciso di indire un concorso. Ciò è culminato nella selezione dell'audace proposta avanzata dallo studio Muoto, in collaborazione con Georgi Stanishev e Clémence la Sagna per la scenografia, Jos Auzende come curatore associato.

Il Ball Theatre ospita un programma di residenze laboratorio artistico, scientifico ed educativo, ideato e coordinato da Jos Auzende e Anna Tardivel.

Muoto è uno studio di architettura fondato a Parigi nel 2003 da Gilles Delalex e Yves Moreau. Lo studio sostiene un approccio frugale all'architettura, basato sull'uso parsimonioso delle risorse per favorire molteplici usi e incoraggiare l'evoluzione degli edifici nel tempo. Lo studio è identificato come rappresentante di una nuova scena architettonica francese descritta come “nuovo realismo”.

Georgi Stanishev è un architetto e scenografo, con un dottorato in architettura, che insegna all'ENSA Paris-Malaquais. Ha aperto il suo laboratorio di architettura e scenografia nel 2011 a Parigi. Il laboratorio progetta principalmente architetture temporanee e scenografie per eventi e mostre. Il suo approccio si concentra sulla nozione di messa in scena.

Clémence La Sagna è un architetto, project manager e scenografo con licenza statale, che lavora in uno studio a Pantin. Il team, composto da architetti, designer e artisti è specializzato in scenografie per mostre ed eventi di live art. Sviluppa sia idee che oggetti. Il laboratorio elabora scenari immersivi che immergono i visitatori in un'esperienza sensoriale e cognitiva.

Dopo essersi laureato in architettura, Jos Auzende si è specializzato nella scena musicale e performativa d'avanguardia, dirigendo in particolare programmi per Batofar e poi per In famous. Ha lavorato per 13 anni presso La Gaîté Lyrique, un centro di arti digitali e musica moderna a Parigi, e ora ne è la direttrice artistica congiunta. Come curatrice della mostra, il suo compito è garantire che l'uso della tecnologia nell'esplorazione artistica rimanga originale e vitale, contribuendo alla reputazione nazionale e internazionale del centro con un pubblico in continua crescita.

Anna Tardivel è responsabile della programmazione di New Writings presso la Gaîté Lyrique dal 2019. L'interazione delle diverse discipline - musica, performance dal vivo e arti visive - è sempre stata al centro dei suoi interessi. Inizialmente responsabile della produzione di grandi mostre dedicate alle arti visive e alla musica alla Philharmonie de Paris, ha anche partecipato all'ideazione e all'organizzazione della mostra Lieux infi nis, diretta da Encore Heureux, per il Padiglione Francia alla Biennale Architettura 2018.

INFO SUL PADIGLIONE DELLA FRANCIA ALLA BIENNALE DI ARCHITETTURA 2023 DI VENEZIA
Titolo: Ball Theater / La fête n’est pas finie
Commissario: Institut français with the Ministry of Europe and Foreign Affairs and the Ministry of Culture
Curatori: Muoto & Georgi Stanishev
Quando: dal 20 maggio al 26 novembre 2023
Sede: Giardini

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BIENNALE ARCHITETTURA 2023: LA GUIDA DI INGENIO